tapirr

Эдвард Моран. Торжественное открытие статуи "Свобода, несущая свет миру" 1886



Вчера раскачивались весь день (даже хорошую знакомую с собой тянули, да не вытянули, к сожалению), ну и раскачались в конце концов - отправились на выставку "Новый Свет.  Три столетия американского искусства" в Цветаевском Музее (Волхонка,12). Выставка оказалась небольшой, хоть 3 века и охватывает. Нам хватило на осмотр с лихвой полутара часов.





"Еще в 1998 году Фонд Гуггенхайма обратился к фонду Генри Льюса с идеей провести выставку и издать каталог "Искусство в Америке", — отметил президент фонда Майкл Джиллиган. — "Поскольку одной из целей нашей программы "Американское искусство" является расширение знаний об искусстве Америки за пределами Соединенных Штатов, мы рады тому, что Фонд Гуггенхайма решил поделиться американским художественным достоянием с русским народом".



Benjamin West (1738-1820). Penn's Treaty with the Indians, 1771-72. Oil on canvas, 75 1/2 x 107 3/4 inches (191.8 x 273.7 cm).
Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia. Gift of Mrs. Sarah Harrison (The Joseph Harrison, Jr. Collection)


Шесть исторических разделов выставки "Новый Свет. Три столетия американского искусства" — визуальная летопись американского народа, в которой отразились этапы развития страны, ее открытия и эксперименты. Своеобразным лейтмотивом выставки является тема национального самосознания. Поиски собственного художественного языка.



Ralph Earl (1751–1801). Oliver and Abigail Wolcott Ellsworth, 1792. Oil on canvas, 76 x 86 3/4 inches (193 x 220.3 cm). Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut. Gift of the Heirs

Каждый из шести разделов выставки посвящен определенному периоду в истории страны: "Колонизация и восстание" (1700-1830), "Экспансия и разделение" (1830-1880), "Патриотизм и космополитизм" (1880-1915), "Модернизм и регионализм" (1915-1945), "Процветание и разочарование" (1945-1980), "Мультикультурализм и глобализация" (1980-2007).


Georgia O’Keeffe (1887–1986). Red Poppy VI, 1928. Oil on canvas, 35 1/2 x 29 3/4 inches (90.2 x 75.6 cm). Private collection © 2006 The Georgia O’Keefe Museum/Artists Rights Society (ARS), New York

Далее - прекрасный отчёт svet-sidorov@lj:


Современное искусство США указанных периодов представлено в двух залах: в Белом зале - 1940-1980-х гг., а в Олимпийском зале (направо отмраморной лестницы, если подниматься по ней от главного входа в Музей),- новейшее искусство (1980-2007 гг.)

Искусство 1940-1980 гг.

Зал нам с вами нужно обходить по часовой стрелке, чтобы посмотреть картины в хронологическом порядке.

Абстрактный экспрессионизм 1940-1950-х гг. открывался двумя работами классика этого направления Джексона Поллока.Справа от входа в Белый зал мы встречаем его картину "Женщина-луна"(1942), напоминающую работы Пикассо. Это не из тех полотен, которые мне нравятся у Поллока: ломаный и расплывчатый женский силуэт в красных исерых тонах. Однако настоящим подарком для меня стала вторая из его картин: "Номер 18" (1950). Это работа, написанная в классическом стилеабстрактного экспрессионизма: даже не мазками и в несколько слоев брызги "жилок" (работу такого стиля см. ниже).  Картина небольшая, можно было бы повесить дома.




Jackson Pollock (1912–1956). Number 18, 1950.

Oil and enamel on Masonite. 22 1/16 x 22 5/16 inches (56.0 x 56.7 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Gift, Janet C. Hauck, in loving memory of Alicia Guggenheim and Fred Hauck, 1991, 91.4046. © 2007 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York





Джексон Поллок. Алхимия. 1947.



Далее шли <...> мастера  Марк Ротко  (у меня в журнале смотри его здесь)



Марк Ротко. Номер 18. 1963.


и Клиффорд Стилл:




Клиффорд Стилл. Без названия. 1964.



Теперь подойдём к картине не менее значимого, чем Поллок, абстракциониста Виллема де Кунинга.Я был наслышан об этом мастере и видел черно-белые репродукции его картин, но на мой вкус - это уже "не то": нет у де Кунинга поллоковскойизобразительной тонкости. На огромном холсте абстракция была нарисована крупными грубыми мазками красного, желтого и зеленого цветов. Закрывалакорпус абстрактного экспрессионизма работа Сай Туомбли, которую очень хорошо охарактеризовал стоявший перед ней мальчик: "уменя в тетрадке такое", - сказал он матери, глядя на исчирканныйкарадашом ватман с неаккуратными цифрами и столбиками диаграмм.

Вот,собственно, мы и прошли через 1940-1950-е гг., ознаменовавшиеся экономическим и культурным взлетом США, началом заметного ускоренияжизни среднего человека и формированием общества массового потребления.На все эти явления и реагировал абстрактный экспрессионизм.

Теперь пойдем дальше и окунемся в 1960-е гг., а точнее, в классическое течение этих лет: поп-арт.

Открывается "уголок поп-арта" композицией Роберта Раушенберга,состоящей из полосатой доски, напоминающей верстовой столб, сприкрепленными к ней металлическими ржавыми предметами: смятой консервной банкой, линейкой и пр. Работа, если не ошибаюсь, 1960 года.Далее следует главный классик стиля - Энди Уорхол (см. также здесь)- встречи с которым я просто не мог избежать. Встреча эта всегдаприятна, так как я делал по нему в свое время достаточно объемнуюработу, был на двух его выставках (в ГМИИ им. А. С. Пушкина в 2001 годуи в ЦДХ на Крымском валу в 2005), видел в процессе подготовки указнногоматериала огромное количество репродукций его картин, и вот теперьувидел то, что раньше смотрел только в альбоме: "Оранжевая катастрофа №5" (1963). На огромном панно расположено рядами несколькочерно-оранжевых шелкографических оттисков с изображением электрическогостула. Подойдя к картине поближе, я различил то, что не мог различитьна репродукции - слово "SILENCE" на стене в комнате казни...

Отойдя от Уорхола, мы проходим мимо картины Эда Руша "Оборотная сторона Голливуда" (см. ниже), и - снова приятная встреча: полотно "Рррррр" (1965) одного из классиков поп-арта Роя Лихтенштейна,которого я также всегда хотел увидеть вживую. Изображенный на нем серыйпес с черным контуром сделан в типичной для мастера комиксной манере, ау лап собаки красуется зловещая надпись "Grrrrr!"




Эд Руша. Оборотная сторона Голливуда. 1977.


Теперь мы подошли к картине, у которой вынуждены будем задержаться. Это замечательное полотно художника Джеймса Розенквиста,картины которого я мечтал увидеть не один год! Работа называется"Пловец в тумане экономики" (1997-1998). Радуют и года создания: значит мастер, которому в этом году исполняется 74 года, не только жив, но и продолжает работать. Розенквист начинал в 1950-х гг. как дизайнер больших рекламных плакатов. Впоследствии стал самостоятельным художником. Его работы всегда отличала продуманность форм предметов и композиции, а также очень яркие и очень удачные, но и, в то же время, -очень агрессивные цветовые гаммы. Основную свою классику он, как идругие поп-артисты, написал в 1960-х гг. В более поздний период своего творчества он обратился к теме цветов, а данная работа представляет собой, пожалуй, возвращение мастера к корням (почему она, видимо, и выставлена вместе с работами 1960-х гг.): на картине изображен непонятной формы и назначения стальной предмет, то ли электрочайник, то ли локомотив, рассекающий сиреневое и розовое марево- "брызги" помады, патроны с которой он и раздвигает, несясь на зрителя. Помада брыжжет во все стороны, и ее "потоки" достигают по бокам краев холста. Слева от "локомотива" (если стоять лицом к полотну)нарисовано три разноцветных квадрата, а справа - несколько огромных стальных сверл на ярко желтом фоне.

1960-е гг., в течение которых поп-арт ответил на метания абстрактного экспрессионизма романтизацией и "юморизацией" общества потребления, мы прошли.Перемещаемся теперь в 1970-е, в гиперреализм и концептуальное искусство.

Гиперреализм представлен двумя работами, первая из которых оказалась для меня настоящим подарком: полотно "Стенли" Чака Клоуза- признанного мастера гиперреализма - наглядно проиллюстрировало для меня сам принцип написания работ в этом стиле, примеры которого я виделраньше только на репродукциях. Все пространство будущей картины разбивается на множество мелких квадратов, которые затем механически заполняются художником в произвольном порядке в соответствии с прототипом - разграфленной фотографией-оригиналом. При такой работе художник часто слушает плеер, полностью отрешаясь от каких-либо мыслейоб изображении и смысле работы. В таком процессе он выступает как печатная машина, полностью игнорируя возможности самостоятельного творчества. В результате готовое изображение человека или городского пейзажа является лишь побочными продуктом деятельности художника и представляет собой "пустую форму": сымитированную от руки структуру фотографии или распечатки. Гиперрералисты всегда рисовали неизвестных людей - своих знакомых и родственников, а гиперреалистические полотна стали на целое десятилетие модным элементом интерьеров крупных офисов по ту и другую стороны Атлантики.

Следующая гиперреалистическая картина:




Роберт Бектл. "Бьюик" '71. 1972


Здесь уже нет никакой "матрицы" и никаких квадратов: машина плавно срисована с фотографии вручную.

Однако гиперреализм позади, а впереди - концептуализм. Соберёмся с силами.

Первым в череде концептуалистов видим Брюса Науманас работой "Никто не воспевает неоновую вывеску" (1970),

представляющейсобой эту самую вывеску, включенную и прикрепленную к стене. Далее продвигаемся к творению Лоренса Вайнера "Каталожный номер 278. Видеть ибыть увиденным" (1972), которое не сразу-то и заметишь: это надписьбольшими синими буквами по-русски и по-английски над картинамиконцептуалистов. Рядом с этой табличкой видим другую с загадочнымназванием следующей картины: "С названием (Искусство как идея как идея). [Вода]":





Джозеф Кошут (см. также здесь). С названием (Искусство как идея как идея) [Вода]. 1966.

Видимо,воспроизведя здесь словарную статью "Water", художник тем самым хотелпоказать идею о том, что само искусство может быть идеей...

Далее следуем мимо круга в квадрате Роберта Мэнголда и останавливаемся передзабавной картиной без названия (1965-1966) Брайса Мардена. Почему забавной? Да потому, что изображен на ней черный квадрат. Ностальгия? Следующим экспонатом будет у нас творение Роберта Морриса опять же безназвания, 1973 год: несколько толстных широких полос черного войлока повешены на стене так, что образуют вложенные друг в друга гауссианы разных дисперсий.

И наконец - последние два концептуальных произведения: одно из них "10х10 Альдштадт. Медный квадрат" (1967, КарлАндре) - разложенные посреди зала вплотную друг к другу листы меди.Другое Дэна Флэвина без названия 1963-1964 гг.: две неоновые лампы вразных коробах закреплены в углу зала. Вот собственно и всё  произведение. Оно меня удивило тем, что выполнено в стиле реди-мейд, когда в качестве произведения искусства выставляется готовое изделие: ведь этот стиль был заложен еще отцом дадизма Марселем Дюшаном в 1910-1920-х гг., и для меня было неожиданностью, что реди-мейд не потерял актуальности в 1960-е гг.

Выходя из зала, замечаем слева еще одно полотно - значит не все посмотрели. А это ни что иное, как примитивный отпечаток в исполнении Франца Кляйна: черный невыпуклый многоугольник на белом фоне.

Вот теперь точно все. Итак, из концептуализма, порвавшего с изобразительностью в знак протеста против ее полного обессмысливания гиперреализмом, мыперемещаемся в 1980-2007 года. За мною читатель, и я покажу тебе новейшее искусство!:))

Искусство 1980-2007 гг.

При входе в зал с новейшим искусством замечаем, что здесь хронологический порядок осмотра обеспечивается движением против часовой стрелки. Ну что ж, пойдем против...

Сразу же при входе в зал справа видим работу без названия (1995) Ричарда Принса,представляющую собой сильно увеличенную и, возможно, ретушированную фотографию ковбоев, один из которых, тот, что находится на первомплане, взмахивает лассо... Ничего такого особенного. Ковбои как ковбои.

Зато дальше все намного интереснее:  "Человек из Неаполя" (1982) Жана-Мишеля Баскиа (другие картины см. также здесь):




Жан-Мишель Баскиа. Человек из Неаполя. 1982.


Эго полотно мне увидеть приятно хотя бы потому, что он вместе с известным граффитистом Кейтом Херрингом работал на студии у Энди Уорхоласовместно с последним...

Далее мы проходим мимо "наивизма" Даны Шутц и "утопии" Жюля де Баленкура. Да простит мне читатеть такое стремительное перемещение, но нам предстоит задержаться перед знаковым,по крайней мере - для меня, полотном.

Итак, знакомьтесь: 




Адам Цвиянович. Ню-арт. 2006. Серия "Анти-земное притяжение"


Взрывающийся кинотеатр нарисован на строительном щите Tyvek. Мы можем рассмотреть взлетевшее на воздух, но еще не до конца потерявшее свои формы здание,как внутри, так и снаружи, откуда, видимо, и название картины: Ню-арт("Обнаженное искусство"). Знаковым же для меня это полотно является потому, что на нем изображено разрушение мира, причем характерно то,что мир представлен в виде кинотеатра (намек на культуру зрелища, экранную культуру), и ничего другого на картине нет... Этот взрывявился логическим завершением процесса ускорения экономических икультурных процессов. Это разрушение мира "дромократии" (выражение французского философа Поля Вирильо), т. е. мира, в котором "правит скорость". Также, на мой взгляд, это полотно явилось символом т. н."культуры мусора" ("треш-культуры"), анализом которой (после необходимой терминологической проработки и уточнений) я хочу занятьсяуже очень давно.

Превратив кинотеатр в мусор физически, художник показал, насколько затерта современная массовая культура, насколько велика "усталость" от штампованных вещей, образов и знаков. Теряя всякую самостоятельную ценность, они становятся мусором в культурномсмысле, т. е. пустыми знаками в повседневном обращении и восприятии. Вдополнение к сказанному можно предложить еще и такую трактовку: накартине изображено отсутствие того, что можно было бы изобразить целыми осмысленным, ведь здесь мы не видим ничего, кроме летящего мусора, аза ним - пустое небо...

Итак, с Цвияновичем мы познакомились. Идем дальше и видим работу Кьянде Уайли 2006 года "Защищайте и стройте остров вместе":




Кьянде Уайли. Защищайте и стройте остров вместе. 2006


Негры вписаны в узоры с плакатов китайской коммунистической пропаганды. На этом полотне, как ни на каком другом, пожалуй, виден мультикультурализм современного искусства (аннотация к картинам этого зала озаглавлена "Мультикультурализм и глобализация"). Стоит отметить, что все представленные в этом зале картины, во-первых, не имеют четкой классификации, которую еще только предстоит создать в необходимом для осмысления историческом отдалении, а, во-вторых, свидетельствуют осовременной культурной глобализации: они могли быть написаны в любой стране западного мира.

Проходя мимо черно-белой шелкографии сбрызгами шоколада Келли Уокер, останавливаемся возле небольшогопортрета Элизабет Пейтон "Кит (из фильма "Приюти меня")" 2004 года.Вновь "привет" от Rolling Stones: басист группы Кит Ричардс изображенеще молодым и красивым...

Задержимся у следующей картины:




Барнаби Фернас. Танцор буги. 2005


Мне картина напомнила "Предчувствие гражданской войны" Сальвадора Дали,однако, знакомые конструкции из частей человеческого тела оказалисьзабрызганы красной краской и погружены в кровавое море. Если же отвлечься от крови, то можно увидеть лемовские мотивы: густое море Соляриса и "черных мушек" из романа "Непобедимый".

Сразу беглосмотрим последние два полотна: Джона Каррина и Давида Салле. Бегло -так как они, на мой взгляд, никак специально современное искусство нехарактеризуют. Остановимся же мы перед последней на сегодня работой:


Джефф Кунс. Ниагара. 2000.


На фоне водопада и тропических деревьев изображены загорелые женские ноги в роскошных туфлях, а под ними "водопад" масла и шоколада, по бокам картины - бутерброды с маслом. (на самом деле пончики с повидлом - tapirr) Картина представляет собой сборник красивых клише современной жизни. Отметим, что Джефф Кунс прославился прежде всего как один из крупнейших скандалистов отискусства и "король китча". Он был очень успешным биржевым игроком. Впоследствии, уйдя в художники, женился для создания имиджа наизвестной итальянской порно-звезде Чиччолине.

Итак, мы с вамипосмотрели и новейшее искусство, не имеющее сегодня четких направлений,однако, с одной стороны, вернувшееся от радикализма концептуальности кизобразительности и предметности, а, с другой стороны, ставшее сегодняглобальным вслед за "американо-подобной" культурой.

Что ждет насчерез 10, 20, 30 лет? Сегодня ответить невозможно, можно лишь следить за современными тенденциями, чем я с удовольствием и занимаюсь.